Simon Schubert

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Paper Art by Simon Schubert

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Paper Art by Simon Schubert

Unveiling the Ethereal Elegance: A Critique of Simon Schubert’s Intricate Paper Fold Artistry

Simon Schubert’s art style stands as a testament to the transformative potential of simplicity and the understated beauty inherent in meticulous craftsmanship. Through the medium of folded paper, he invites viewers to explore a realm where shadows dance, light caresses, and every fold is a whisper in a captivating visual symphony.

As we navigate the folded landscapes crafted by Schubert, we discover an artist who elevates the ordinary into the extraordinary, leaving an indelible mark on the canvas of contemporary art.

In the realm of contemporary art, Simon Schubert emerges as a maestro of a unique and mesmerizing form—paper folding. This article delves into the intricacies of Schubert’s art style, exploring the ethereal elegance that defines his work and the profound impact it has on the viewer.

The Enigmatic World of Simon Schubert:

Origami as a Medium: Schubert’s artistry is anchored in the delicate yet profound tradition of origami. However, his approach transcends the conventional, as he eschews colorful paper for a monochromatic palette, transforming each fold into a nuanced exploration of light and shadow.
Influence of Minimalism: Schubert’s art style bears the indelible stamp of minimalism, where simplicity is not a compromise but a deliberate choice. The absence of superfluous elements draws attention to the subtlety of the folds, creating an atmosphere of contemplative beauty.
Architectural Precision: Akin to an architect designing a structure, Schubert approaches his work with meticulous precision. Each fold is a calculated decision, creating not only visual depth but also an illusion of architectural grandeur within the two-dimensional plane.

The Mastery of Shadows and Light:

Shadows as a Dynamic Element: Schubert’s play with shadows is a defining feature of his art. The folds, strategically executed, cast shadows that become dynamic components of the overall composition, adding depth and an ephemeral quality to the artwork.
Illuminating Negative Space: The interplay between the folded paper and negative space is a masterstroke in Schubert’s art. The absence of folds becomes as important as their presence, with light defining the contours of the unfolded areas, creating a harmonious dance between form and emptiness.
Subtle Gradients and Textures: Through delicate variations in folding angles, Schubert achieves subtle gradients and textures on the paper’s surface. This technique imparts a tactile quality to his creations, inviting viewers to appreciate the materiality of the medium.

Takeaways:

A Symphony of Simplicity: Schubert’s minimalist approach transforms each artwork into a symphony of simplicity. The absence of embellishments allows the folds to take center stage, captivating the viewer with their sheer elegance.
Architectural Illusions in Paper: Schubert’s ability to evoke architectural grandeur through the medium of paper folding is a testament to his technical prowess. The intricacy of each fold creates a visual poetry that invites contemplation.
Dynamic Interaction with Light: The dynamic relationship between shadows, negative space, and light in Schubert’s art invites viewers into an interactive experience. The ever-changing play of light on the folded surfaces ensures that no two moments with the artwork are the same.
Paper as a Canvas, Light as a Brushstroke: Schubert redefines the concept of the canvas, using paper as a malleable material upon which light paints its ethereal brushstrokes. The result is an art form that transcends its physical constraints.

Simon Schubert is best known for creating intricate works by meticulously creasing a single sheet of paper into flattened images of real or imagined interiors. Typically grand, the ballrooms, coffered ceilings, stately staircases, mirrored corridors, and doorways he depicts are realistic yet illusory.

Void of any human trace, they reflect notions of isolation, loneliness, and loss. Schubert’s mixed-media sculptures, inspired by Surrealism and the writings of Samuel Beckett, similarly center around the concept of disappearance. An untitled 2006 work, for example, depicts a woman in a coffin-like bathtub, completely engulfed by her own hair.

Similarly, the mixed-media installation Le EL (2005) appropriates René Magritte’s 1937 painting Not to Be Reproduced, in which a man faces a mirror that casts an unsettling reflection of his back.

“The folds are lightless pictures; there is no light portrayed. It is neither night nor day, and no natural or artificial light dominates the interiors or landscapes; it is a state of irreal, time-suspended neutrality. Everything is placed in an even nonlight, immersed in the same lightness or the same darkness.

The folds are completely dependent on the light in the viewing room, appropriating – like a mirror – it’s fall, temperature and intensity. It is this real lighting that first generates the real nuanced shadows, and it is these light reflections on the folds in the paper that make it into a minimaly low-relief; they form themselves into a picture, a photo.
First via this borrowed light the changes through the day’s progession or in the come-and-go shine of artificial lighting, due the landscapes, architecture and faces become visible and invisible.”

Jens Peter Koerver about Simon Schubert’s folds in
“Other Persons, Other Places”

Simon Schubert lives and works in Cologne, Germany

Born 1976 in Cologne, Germany

Studium Freie Kunst / Bildhauerei bei Prof. Irmin Kamp an der / at the Kunstakademie Düsseldorf / Dusseldorf

Assistent von / Assistant of Prof. Paul Good, Lehrstuhl für Philosophie an der / Philosophy Department at the Kunstakademie Düsseldorf / Dusseldorf.

Klar und doch geheimnisvoll muten die weißen Mauern aus Papier an, welche die Säulen des ehemaligen Winterrefektoriums umschließen und einen Raum im Raum beschreiben. Mit Präzision entfernt Simon Schubert die gegebenen charakteristischen Merkmale des Säulensaals (wie dieser Ort gemeinhin bezeichnet wird) aus dem Blickfeld, bricht die sakrale Aura des Ortes und transformiert ihn in eine Sphäre jenseits der tradierten geschichtlichen Einordnung. Damit eröffnet er eine mitunter träumerisch-suggestive, nahezu surreale Dimension, in der sich zeitliche, räumliche und schließlich örtliche Grenzen auflösen.

Der 1976 in Köln geborene Künstler spielt gekonnt mit stilprägenden Merkmalen von Architektur und Raumsprache, die er zu einer artifiziellen Gattung verdichtet. Obwohl Simon Schubert mitunter ganze Räume mit Papier auskleidet, in denen sich skulpturale, geheimnisvolle Federwesen vermeintlich kultischen Handlungen hingeben und gesichtslose Kinder sich in rätselhaften Spielen verlieren, bleibt die Parallelwelt, die in ihrer Surrealität an filmische Szenen eines David Lynch erinnert, doch nur partiell begehbar. Gebannt betritt der Besucher die faszinierende Architektur, die ihm auf dem Weg ins Innere jedoch stets aufs Neue Schranken setzt, da sich mit jeder hinzukommenden Betrachtung weitere Wege optisch auftun, die physisch verschlossen bleiben. Stück für Stück lockt der Künstler den Rezipienten in eine Welt, die ab einem gewissen Punkt den Rückzug aus dem Raum in die Fläche antritt, bis der Weg schließlich als mentaler Akt der individuellen Imagination doch noch vollendet werden kann.

Schuberts Kunstauffassung huldigt dem Barock, sie hebt die klare Trennung einzelner Kunstfelder von Architektur, Skulptur und Malerei auf. Die perspektivischen Verkürzungen und ein besonderes Augenmerk auf das Spiel mit Licht und Schatten führen zu einer nahezu illusionistischen Tiefenwirkung und Aufweitung des Raums, während die Figuren der Barockmalerei sich durch ihre Bewegungsdynamik auszeichnen und auf Farbe und Licht rekurrieren.

blind space, was in der deutschen Übersetzung so viel meint wie
Leerstelle / leerer aber auch unbegehbarer Raum, verbalisiert als Titel der Ausstellung klug das Spannungsverhältnis zwischen Realraum und Fiktion. Mit den Augen eines Bildhauers betrachtet Simon Schubert die zweidimensionale Fläche des Papiers, die eines seiner primären künstlerischen Gestaltungsmittel darstellt. Gleich einem Architekten konstruiert er herrschaftliche Räume, deren Attribute auf das 18. und 19. Jahrhundert und die Belle Epoche verweisen, um im nächsten Bild die verschlungenen Stufen einer auch heute noch vertrauten Wendeltreppe zu erzeugen. Allein – seine Raumzeichnungen und Innenräume, die ausschließlich mit einer bis zur Perfektion ausgebildeten Technik des Papierfaltens zum Leben erweckt werden, führen ins Nichts. Unter den Händen des Künstlers entfaltet sich das reine Weiß der papiernen Trägeroberfläche in plastisch anmutende Bildreliefs. Doch erst die Inszenierung des artifiziellen Lichts finalisiert die Räume. Die Schattenfugen an den Falzkanten entwickeln eine Bildtiefe, welche die gefalteten Linien zu verwinkelten Korridoren verwandelt. Simon Schubert selber sieht die Papierfaltungen als skulpturale Zeichnungen, die sich im Spannungsfeld von Zwei- und Dreidimensionalität bewegen. Nahezu deckenhoch ragen die Wände des künstlich geschaffenen Raums in das Gewölbe des Refektoriums hinauf. Gleich einem Spiegel werfen die Faltungen einzelne Facetten des Raums polyperspektivisch zurück, während im unteren Teil der einzelnen Paneele sich üppige Blumendekors ausbreiten. Rankendes Blattwerk und verschwenderische Blütenpracht scheinen die Stilelemente vergangener Architekturepochen zu feiern. Nüchtern mutet hingegen die Wahl des weißen Papiers an, dessen materielle Zurückhaltung die ausschweifende Pracht zu zügeln sucht.

Schubert reflektiert die gegebene Baukunst des Winterrefektoriums mittels De- und Rekonstruktion. Die realen Elemente des Raumes weichen einer artifiziellen Konstruktion, die als zentraler Quader den Raum okkupiert. Statt der tatsächlichen Säulen, die im Inneren des künstlerischen Raums den Blicken des Betrachters verborgen bleiben, offeriert Simon Schubert auf der Außenhaut seiner In-Situ-Arbeit einzelne Perspektiven des leeren Raumes und vertauscht damit in Stein gebaute Wahrheit mit gefalteter Erinnerung. Reale Blickachsen existieren nur noch als spiegelndes Abbild und fungieren als Gedächtnisspeicher einer realen, aber verlorenen Architektur und bilden damit eine Brücke von Vergangenem zu Gegenwärtigem. Gleichzeitig verleihen die zehn Ansichten des Winterrefektoriums der opaken Oberfläche des weißen Papiers eine gläserne Durchsichtigkeit. Durch die, zwar perspektivisch verkleinerte, jedoch axial korrekte Darstellung der Blicklinien bleibt dem Betrachter kaum ein Winkel des tatsächlichen Raumes verborgen.

Bereits von weitem aber weckt eine kleine, fensterähnliche Öffnung die Neugierde des Besuchers, weil sie eine Verheißung auf ein Geheimnis bedeutet, welches die Mauern des Schubert‘schen Raumes zu bergen scheint. Diese Sichtfester erweist sich als „Tor“ zu einer anderen Dimension, welche die erwartete Realität vorgibt, um sie gleichsam gegen eine andere ebenso gültige Wahrheit zu ersetzen.

Damit verweist Simon Schubert auf die bis ins 12. Jahrhundert andauernde Tradition der Klause, also den Wohnort eines Mönches, einer Nonne oder eines Eremiten, dessen Abgeschiedenheit u.a. durch die Lage in einer einsamen Gegend gewährleistet wurde. In der hermetisch abgeschlossene Zelle, in die sich die so genannten Klausner bzw. Klausnerinnen einmauern ließen, um in völliger Abgeschiedenheit in Demut vor Gott zu leben, stellte das Fenster die einzige Schnittstelle zwischen dem realen Leben und der inneren Einkehr dar.

Der „Schrein der Erinnerung“, wie der Künstler in einem Gespräch seine architektonische Konstruktion einst überaus treffend bezeichnete, verwebt eine Vielzahl von religiösen, epochalen, architektonischen aber auch literarisch- philosophischen Anspielungen und Deutungen miteinander, ohne einen eindeutigen Schwerpunkt zu setzen.

So werden Erinnerungen an die weltbekannte Erzählung Alice Adventures in Wonderland aus dem Jahre 1865 von Lewis Carroll wach, welche die fantastische Reise in eine andere Welt aus der Sicht der kleinen Alice schildert, in der merkwürdige Wesen und sprechende Tiere rituelle Handlungen ausführen und den gesunden Menschenverstand sowie angeeignete, stereotype soziale Verhaltensmuster (des viktorianischen Zeitalters) ad absurdum führen. Sehen wir hier das berühmte Kaninchenloch, das den Eingang in die Wunderwelt des kleinen Mädchens markiert?

Schuberts Fenster suggeriert ebenfalls den verheißungsvollen Eintritt in eine andere, verborgene Welt. Der Blick ins Innere führt jedoch nicht zu der erwarteten Offenbarung, sondern enthüllt vielmehr weitere Geheimnisse und wirft Fragen auf. Denn sobald das Auge den hellen Korridor wahrnimmt, stößt es gleich wieder an die nächste Barriere in Form einer angelehnten Türe, die mehr verdeckt als offenbart. Ebenso wie der literarischen Alice der weitere Zugang in die Wunderwelt aufgrund ihrer Körpergröße zunächst verwehrt ist bleibt dem Besucher von blind space nur der Blick in das Innere des Quaders. Während Alice verzweifelt verzauberte Hilfsmittel zu sich nimmt, die sie so lange riesenhaft wachsen und zwergenhaft schrumpfen lassen, bis sie endlich die richtige Größe hat, ist es für den hiesigen Besucher die eigene Imagination, die das Übertreten von Außen nach Innen ermöglicht.

Das Fenster fungiert als Scharnier zwischen visuell Fassbarem und dem lockenden Geheimnis des im Dunkel liegenden Inneren. Das Unerforschte öffnet seine Tore und löst die Grenze zwischen Vernunft und Fantasie auf. Damit verbindet der Künstler die Ebenen unterschiedlicher Seinszustände und regt die sensorische Erkundung verborgener, unbewusster Bilder an. Der Rezipient wird zum Seismograf für den Grad des eigenen Erlebens. Trotz subjektiver Betrachtungsweisen, eigenen Erinnerungsbildern, inneren Vorstellungen und der historischen Faktizität bleibt dem Betrachter ein Teil des Gesehenen verrätselt. Schubert betreibt eine Art Entstellung des Raum-Zeit-Kontinuums und bietet dem Betrachter stattdessen Räume an, die die klare Trennung zwischen Innen und Außen aufheben. Im übertragenen Sinne ist hier ein vor- und rückwärtsgerichteter Blick eingefangen, der in der Gesamtschau den Status quo des Raums und seiner Nutzung abbildet.

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